Dirigido por René Sampaio

Renato Russo morreu jovem. Para muitos, o rockeiro é apenas a face do aborrecido rock nacional. Suas letras são, em geral, consideradas superestimadas, reduzindo-se a poesias com conteúdo raso mascarado de alta-filosofia. Profundos ou não, não se pode  negar que as músicas possuem em sua essência uma história com início, meio e fim, estrutura perfeita para adaptações cinematográficas – embora a duração de aproximados cinco minutos dificultar o processo. Com isso em mente, o diretor René Sampaio se inspira na canção “Faroeste Caboclo”, música-conto conhecida por sua longa duração e que transformou a trágica história de João em cultura popular.

Por se tratar de uma história quase que onipresente na cultura do brasileiro, o longa ganha o privilégio de poder ser econômico. Não precisamos de sinopses ou resumos para saber do que se trata o filme ou qual será o fim dos personagens. Entretanto, o conhecimento da história por parte do espectador pode configurar-se como um problema na medida em que gera desínteresse. Ora, se já sabemos o que vai acontecer com um personagem, não há motivos para que nos preocupemos com suas situações de perigo ou drama.

É preciso, portanto, maximizar a vantagem e tentar minimizar a desvantagem, e o longa se sai extremamente bem nisso. Ao apresentar personagens que são carismáticos e tridimensionais, nosso interesse deixa de ser no desfeixo destes, mas em seu desenvolvimento. A ciência que o filme tem de sua onipresença trás consigo outros benefícios. Não vemos – diferentemente do longa “Somos tão Jovens” - diálogos expositivos com frases da letra da música – exceto por uma cena, mas esta é orgânica e justificável - , já que os elementos apresentados são suficientes para nos situar no universo em que a história é contada.

De nada adiantaria a eficiência do roteiro se o elenco não fosse capaz de representar os famigerados personagens. Todas as atuações são consistentes e eficazes, com pequeno destaque para Felipe Abib, que transforma Jeremias em um personagem detestável, e a certeza de que veremos sua morte prende a atenção e gera um certo alívio. Isis Valverde surge encantadora não só por sua beleza, mas pela doçura com que vive Maria Lucia, e sua devoção por João nas situações mais trágicas apertam o coração com intensidade.

E mesmo com essas qualidades, o maior mérito do filme se encontra na montagem, que se mostra extremamente criativa ao apresentar raccords gráficos e sonoros belíssimos – a cena em que Pablo vai ensinar João a atirar já seria genial ao intercalar o João do presente com sua versão infantil aprendendo a atirar (referência clara aos versos “Mas Pablo trouxe uma Winchester-22/ E Santo Cristo já sabia atirar), mas o filme vai além e faz com que a arma permaneça em posição bem próxima nas 2 linhas temporais, suavizando os cortes e sendo visualmente agradável. As elipses também evitam a exposição de informações, buscando sempre uma solução criativa – gosto muito daquela em que o protagonista, ainda criança, vai com a mãe pegar água no poço e, quando o balde retorna, ele já está mais velho, mostrando que os anos que passaram foram marcados pela rotina, apenas buscando a sobrevivência.

A montagem não funcionaria, entretanto, se não fosse pelo fabuloso trabalho da fotografia e do design de produção. Ao definir uma lógica visual específica para cada linha temporal, o espectador não possui dificuldades em se situar na lógica do filme, minimizando os riscos de se fazer saltos temporais sem avisos explícitos. O uso de cores também é cuidadoso – a falta de vida do cenário e das roupas de João em Santo Cristo retratam com perfeição a vida sem significado que o protagonista tinha e criam um belo contraste com as cores fortes de Brasília.

O filme mostra-se, pois, completo e harmonioso devido a inúmeras decisões bem-sucedidas, como a liberdade de ajustar alguns pontos da história visando gerar maior tensão e desenvolvimento dos personagens. Embora eu não goste muito de comentar a reação do público em críticas – análises como essas são subjetivas e não costumam ser sustentadas com argumentos racionais - , me sinto obrigado a chamar atenção para os créditos. Ao introduzir a música que deu título ao filme nos minutos finais, somos levados a refletir sobre tudo que acabamos de ver – embora as comparações que faremos inevitavelmente entre a música e o filme não serem muito saudaveis para a avaliação da obra proposta -, e é muito bom ver o público que, infelizmente, costuma deixar o cinema ao primeiro sinal dos créditos ficar até o fim da música e se emocionar ao final.

Após 9 anos de espera desde o último Senhor do Anéis, Peter Jackson volta ao universo de Tolkien com O Hobbit, carregando a enorme responsabilidade de manter o padrão de qualidade dos outros longas. Embora seja inegável a qualidade técnica do filme, com direção de arte e fotografia impecáveis bem como uma trilha sonora demasiado eficiente, o filme nos leva a questionar a decisão de dividir o livro em 3 filmes.

Ao reconhecer que o maior mérito de Tolkien é o universo criado em seus livros, Peter Jackson revoluciona ao usar os 48 quadros por segundo em conjunto com o 3D para criar cenas vislumbrantes e fáceis de serem lembradas. A riqueza de detalhes dos cenários é tão grande que demanda um pouco mais de tempo para o espectador admirar o universo, tornando o ritmo cadenciado sem que isso seja um problema. O uso do 3D aqui é quase obrigatório, uma vez que Peter Jackson abusa da profundidade de campo aumentada, além das “brincadeiras” em que os objetos parecem sair da tela – entretanto, na minha experiência pessoal, me senti um pouco incomodado por estar exposto à tecnologia por tanto tempo, trazendo leves dores de cabeça.

A preocupação com detalhes, felizmente, não se prende apenas ao deleite visual, como no momento em que Bilbo encontra O Anel. Além do óbvio movimento de suas mãos, sempre levadas ao bolso, é possível perceber que o nosso amigo Hobbit está sempre pensando no artefato. Na cena em que ele e Gollum fazem um jogo de perguntas, o fato de Bilbo perguntar “O que está no meu bolso?” evidencia que o anel perturba sua mente, impedindo que qualquer outra pergunta mais inteligente e que não levantasse suspeitas do furto  fosse proferida.

E se o universo detalhado é, no plano geral, magnífico, o mesmo não se pode dizer da individualidade dos personagens. Enquanto os anões funcionam muito bem como grupo, trazendo momentos de alívio cômico similares àqueles do inescrupuloso Gimli em Senhor dos Anéis, não há o desenvolvimento profundo de suas individualidades. Dessa forma, o espectador passa a se preocupar, sim, com o destino do grupo mas sem se importar com o que acontece com cada personagem. A dificuldade de identificação encontra ainda a barreira da similaridade entre os nomes de cada anão, que são marcados apenas por suas características físicas, como “aquele da barba grande” ou “aquele gordão”. A regra não se aplica, entretanto, aos personagens presentes em Senhor dos Anéis, que trazem consigo valor nostálgico e, até certo ponto, o estranhamento – sem soar inorgânico - em ver Gandalf se referir a Saruman como mestre – e embora este ainda seja visto como benfeitor, sua conivência com o caso do Necromante já indica uma possível aproximação com o lado Mordor da força.

A familiaridade dos outros filmes se mostra sadia não só na identificação dos personagens, mas nas referências e explicações de elementos dos outros filmes, como a placa colocada por Bilbo em sua casa para evitar visitas e a origem da espada Stinger. Essas referências, embora extremamente eficientes e intrigantes, trazem consigo a previsibilidade - diga-se de passagem, o título do filme se mostra falho tanto no quesito "Inesperada" quanto em "Hobbit", posto que este assume papel secundário na trama - em cenas de ação, já que possuímos a convicção de que Gandalf e Bilbo vão sobreviver.

O grande problema do filme está, entretanto, em sua trama. Sem objetivo definido, o roteiro parece um pouco “inflado”, inserindo elementos que, embora divertidos, não adicionam nada à trama principal. Com isso, o primeiro filme assume um caráter introdutório, soando como um trailer de 169 minutos para a real aventura. Figuras importantes como o dragão Smaug, aquele que parece ser o grande vilão, sequer aparecem – a não ser pelo olho e a cauda – criando enorme expectativa para os próximos filmes enquanto torna este primeiro vazio em sua essência.